"Los Girasoles de Rusia": La Guerra que nos separa

Existen algunas películas que uno puede contemplar, examinar y diseccionar, y bien podríamos encontrarnos con una multitud de imperfecciones: de una historia melodramático, de un guión que cae en clichés muy conocidos, o el sólo hecho de que pasados veinte minutos ya se tiene una idea de cómo va a terminar. Sin embargo, en estas películas, a las que si apreciamos en sus componentes separados o por sí solos nos dan con una producción irregular o de corte comercial - como una pose común, cómoda y efectiva-, nos proporcionan satisfacciones y alegrías que una película sólida, milimétrica, que incluso funciona como pieza de maquinaria (en donde todo encaja) no pueden darnos –nótese Argo.

De acuerdo a ellos, podríamos decir, que no escapan películas como Titanic,  Armagedon, Forrest Gump, La Vita e Bella, Simple Jack, Braveheart  Crash, The Blind Side, Avatar, Les Miserables, Independence Day, Slumdog Millionare o Pearl Harbor que vemos,  y no podemos dejar de pensar que algo no cuadra o que sobra algo; que pueden llegar hasta ser excesivas, irreales, superficiales e incluso repetitivas; o peor aún, que no fueron sinceras o que son simplemente muy malas, sobre todo cuando las vuelves a ver.  No obstante, son experiencias, de las cuales no tendríamos problema en repetir, porque nos gustan -a pesar de sus incongruencias o debilidades- y sentimos que tocan los acordes indicados, y siempre y cuando no pensemos demasiado en ellas seguirán manteniendo ese gran primer impacto al verlas.

En esa clase situaciones, mi placer culposo es “Los Girasoles de Rusia”, una cinta dirigida por el Vittorio de Sica comercial –no el original de Umberto D, Ladrón de Bicicletas, Milagro en Milán o Ayer, Hoy y Mañana, sino su contradictoria copia de los años sesenta. La película mantiene la identidad de culebrón melodramático -con grandes escenas, eso sí- pero algo discreta en construcción y confrontación personalísima con los protagonistas.

La historia es la siguiente, Los Girasoles de Rusia narra la historia de Giovanna una viuda de guerra que busca entre las listas de muertos y sobrevivientes, del Ministerio de Guerra Italiano, el nombre de su marido. Muchos años han pasado después de la guerra y no hay noticias de Antonio. Antonio y ella que fueron muy jóvenes, y muy llenos de vida y muy enamorados el uno del otro, recién casados, son separados por el llamado a enlistamiento en la segunda guerra. La separación es inminente y tratan de escapar de dicha obligación. Sin embargo, fracasan miserablemente y son separados, para luego despedirse en una concurrida estación de tren, como tantas familias y amantes entre el vitoreó y las lágrimas.

Giovanna, ya envejecida,  mantiene el luto y se rehúsa a creer que su marido esté muerto. Ahorra por su trabajo de cosedora y viaja a Rusia, donde se da con el antiguo frente, un campo lleno de  miles de girasoles que esconden, entre la tierra, el grano y la naturaleza muerta más 15 000 cuerpos entre soldados italiano, rusos y alemanes, además de campesinos, mujeres, viejos y niños En medio de el mismo,  se erige un monumento que dice:

Joven hijo de Nápoles, que cosa te ha traído a los campos de Rusia

¿No eras feliz en tu golfo natal?

Yo, que te encontré preso en Moscú

Tan lejos de tu tierra…

Giovana recorre la capital y los pueblos, en donde fue última vez visto el pelotón de Antonio, mostrando su foto y buscando respuestas en una tierra donde conoce a nadie y no puede comunicarse por el idioma. Todo sigue en negativas e indiferencia, hasta que un día unas comadronas le indican una pequeña casa. En la misma, una joven mujer tiende la ropa y  al acercarse, una niña la saluda en italiano.

Las actuaciones de Mastroianni y Sophia Loren dan consistencia a la película. Ambos recorren la vida de enamorados, virtuosa y sin preocupaciones hasta la incertidumbre, la duda y el suspenso de qué hacer con la vida una vez que el ser amado desaparece. La música de Henry Mancini es extraordinaria, es una composición que duele y una de las más desgarradoras de la época. La cinematografía es correcta, hay escenas extraordinarias como los largas panorámicas de los girasoles, las tumbas de los soldados italianos mientras Giovanna las recorre como en un sueño y las escena de la guerra en Rusia y por supuesto, el final.

Los Girasoles de Rusia, sin lugar a dudas, es una película lacrimógena en todo el sentido de la palabra, desde la música, la historia y las actuaciones. También, es una película que trata de la escarbar, incluso en sus formas más simples, en los compromisos y la responsabilidad, el olvido y las consecuencias de la guerra en los hombres comunes y anónimos que tuvieron que redefinir su vida en el olvido aquellas penas. A pesar, de no ser de las mejores producciones de De Sica, ni el mejor encuentro del memorable dúo del cine italiano de Mastroianni y Loren y de incluso parecer cursi o manipuladora, no deja por eso de ser una película memorable y una de las cintas románticas más recordadas del cine italiano. En ese sentido, es una película que no dudaría en recomendar siempre, para aquel que disfruta del cine y todas sus expresiones.

Con nombres complicados y pianos que acarician el cerebro.

He estado muriendo de poco a poco, tratando de evitar que mañana llegue, pero ya no me queda otra más que aceptarlo, los parciales están a la vuelta de la esquina, el problema es que ya llegue a la esquina y no he hecho nada muy productivo. Esta semana me embarco en el intento de aprender medio ciclo en una noche con un fuerte sentimiento de arrepentimiento que mi procrastinación está trayendo sobre mí. En el intento de estudiar (que hasta ahora es un tanto fallido) he ido en búsqueda de ayudas externas para concentrarme (no drogas) y he encontrado una buena solución, MÚSICA CLÁSICA. La música clásica no solo me ha ayudado a concentrarme sino que siento como de poco a poco va nutriendo mi cerebro.  Hay una canción en particular que se me ha quedado pegada desde hace ya unos días (cuando empecé a tratar de estudiar) el Piano Concerto No.2  de Sergej Vassiljevits Rachmanioff.

La pieza fue presentada por  primera vez el 2 de diciembre de 1900 (o por lo menos eso dice Wikipedia). La pieza es parte del segundo concierto del compositor ruso, quien le dedico el concierto a su médico después de que este le haya ayudado a salir de la depresión que el fracaso de su primer concierto le trajo. La pieza tiene un rasgo de esperanza muy sutil que me hace pensar que de repente si es posible pasar mis parciales.

Haciendo esta entrada un poco corta debido a que tengo que regresar a tratar de estudiar, les dejo la pieza y un par de canciones que me están ayudado a superar mi flojera y verle el lado bonito de esta semana, que acaba el rápido y después estoy libre de preocupación hasta finales. A ver si esta lista los ayuda a ustedes también.

Piano Concerto No.2

Romeo & Juliet Suite No.2

Violonkonzert No.1

Spartacus and Phrygia

Once Upon a Time in the West

Moonrise Kingdom: amor y libertad

La película comienza con una serie de escenas tomadas desde una perspectiva bastante perfecta, dando a conocer al espectador, en conjunto con el desenvolvimiento de la historia y los personajes, la característica estricta con la que la familia Bishop vive. Además de un excelente trabajo fotográfico. Esta presentación nos lleva a conocer a la ya mencionada, familia Bishop donde se encuentran dos de los personajes principales, Suzy Bishop (hija) y Walt Bishop (padre) que viven en una isla en Nueva Inglaterra junto con los otros personajes de la película. Por otro lado, un pequeño personaje con un corazón rebelde hace su primera aparición escapándose del campamento de scouts al que pertenece, Sam Shakusky. La línea principal de la historia se ubica en la relación que entabla Sam después de encontrarse con Susy por casualidad en una obra teatral a la cual los scouts habían acudido. Desde ese momento los personajes comienzan a ser amigos por correspondencia y logran conectarse cada vez más por su semejanza en querer encontrarse y huir juntos del lugar donde viven. Ellos deciden llegar a un lugar alejado de la isla, una ensenada la cual llaman “Moonrise Kingdom”.

Si bien es cierto, la película tiene excelentes escenas las cuales se podrían analizar con detalle, yo me quiero centrar solo en una en específico. 

El momento en el cual Suzy y Sam “conviven” juntos en “el reino bajo la luna” es, a mi parecer, una de las escenas con más peso de toda la película. A lo largo de todo el momento en el cual los  jóvenes personajes se encuentran en Moonrise Kingdom, se puede ser testigo del nacimiento de un amor puro, en el cual pueden descubrir nuevos sentimientos y descubrirse a ellos mismos. El amor que ellos sienten es uno que recién está naciendo porque muy a pesar de que ya se hayan conocido y se hayan sentido conectados de alguna manera, es en el momento en que llegan a su destino donde pueden expresar su libertad, aquella que no habían sentido en ningún momento de sus vidas, y que mejor excusa para expresar su libertad que con amor. No existe sentimiento más bonito que el amor, y ¿Qué es el amor? Pueden existir miles de significados pero uno de los más grandes es LIBERTAD.

“El amor es cuando dos seres se convierten en uno y, no obstante siguen siendo dos”

-Erich Fromm

Lo que quiere dar a conocer Erich Fromm con esta frase es que el amor no es restricción, el amor es una acción, es la práctica de un poder humano que solo puede realizarse en la libertad y nunca como una obligación o compulsión. Con esto podemos entender como Suzy y Sam disfrutan de su estadía en este lugar soñado como si fuera a durar para siempre, se van conociendo el uno con el otro y viven primeras experiencias que fortalecen y construyen su relación. Ellos no conocen el compromiso pero lo viven a su manera siendo libres, queriendo estar siempre juntos pero bajo ningún condicionamiento. No tienen que aparentar ser otra persona para disfrutar uno del otro, ya que como se conocieron es como se gustan. Desde un principio, nada los obligo a realizar este viaje, ellos lo hicieron por su propia voluntad, ellos serán responsables de las consecuencias del vivir en libertad y encontrar el amor que los vuelve uno pero que al mismo tiempo los deja libres. 

Siempre hay que tener en cuenta que amor y libertad van de la mano, y esta película, en esta escena en especifico (ya que como dije antes, estoy basando mi análisis en solo esta parte de la película) son un clara muestra de lo que es y se puede lograr conociendo esta dualidad. También quiero que quede claro que hay muchas otras partes de la película que complementan esta idea pero como dije antes, a mi criterio, la parte antes mencionada, es donde se centra el mayor peso del desenvolvimiento de este zagal amor. Recomiendo esta película y espero hayan disfrutado de este pequeño y afable análisis. Hasta la próxima.

La vida es color hay que combinarlos

                                          

                                                                                                            Artista :Stephan Balleux

El enfrentarnos a los colores es de suma importancia a la hora de apreciar una obra de arte. Siempre se intenta dar una interpretación en función a la forma en que los colores han sido plasmados y se intenta al apreciarlos, convivir con ellos. Los colores en una obra de arte son movimiento, son dinámicos, son misteriosos. El misterio reside en su contingencia, en su condición de posibilidad, de poder ser de otra forma, es decir ser de otro color. Usualmente el que observa  la pieza no piensa en la posibilidad de otro color, solo se queda en la observación de este.

El afán de lo estático, de lo inamovible ha estado relacionado con la pretensión moderna del dominio, es decir de conocer completamente algo e ir poco a poco conociendo más cosas en su totalidad. El problema es que al pretender conocer todo de algo, suponiendo que esto sea algo que no cambia, que no deviene, se deja de lado y se va en busca de “dominar “otra cosa. Al dejar de lado lo que se considera dominado, teniendo en cuenta que se conoce todo de ello, no se toma como posibilidad que esto pueda cambiar; generando así que el hombre tenga una relación con el objeto de forma no activa, con esto me refiero a una actitud no creativa, no libre, cerrando la puerta  a su condición de posibilidad ya sea del hombre o del objeto /cosa conocida. Nos gusta poseer el control, no gusta saber que nada cambia ya que de esta forma se tiene un conocimiento más claro de lo que acontece y nos da seguridad, que es exactamente lo que ahora busca el hombre, estar seguro de todo. La seguridad  hace olvidar al hombre al igual que el dominio que él es condición de posibilidad, la búsqueda insaciable de seguridad y control demuestra la pasividad actual que el hombre tiene con relación al mundo.

Estamos perdiendo la inocencia, hemos perdido el asombro, todo se controla, todo puede ser ahora nuestro .Debemos pensar en el mundo como si fuera una obra de arte y todo lo que hay dentro de ella son sus colores, estos aparentemente no cambian, porque no se observa su movimiento; sin embargo, estos son movimiento, siempre son distintos  y pueden ser y son cada vez de otro color. Heráclito decía que nadie se baña en el mismo ríos dos veces, refiriéndose al devenir de la vida, al constante cambio. El rojo de hoy, no será el mismo rojo de mañana …Tal vez  podría ser azul.

Los 10 Mejores Soundtracks del Cine

Martin Scorsese, en una oportunidad dijo, que una de las mejores cualidades del cine, la que la diferencia de cualquier otra arte, es la posibilidad de unir música e imágenes de forma libre. La música es un componente indispensable en una gran película, la misma puede desentonar o ir acorde, pero sólo cuando se complementan, y no se puede pensar en una sin la otra, el resultado difícilmente se olvidará.

La siguiente lista es una selección personal y arbitraria de los mejores Soundtracks o “Scores” originales alguna vez compuestos para el cine. En la misma, hemos tratado de salvaguardar la variedad de autores, decidiendo elegir un Score por cada uno. Por otro lado, esta lista se encuentra lejos de ser definitiva o tener un orden particular, sólo es una fotografía de lo que consideramos más valioso.

1.      Metropolis (1927) Gottfried Huppertz

2.      Los girasoles (1970) Henry Mancini

3.      Cinema Paradiso (1989) Ennio Morricone

4.      El padrino II (1974) Nino Rota y Carmine Coppola

5.      La Strada (1954) Nino Rota

6.      The Kid (1921) Charles Chaplin

7.      Third man (1949) Anton Karas

8.      North by Nothwest (1959) Bernard Hermann

9.      Star Wars (1977) John Williams

10.   Gone with the wind (1939) Max Steiner

Bonus

1.      Nos habíamos amado tanto (1974) Armando Trovaioli

https://www.youtube.com/watch?v=lEVzgIwetiI&feature=kp

2.      Bram Stocker's Dracula (1992) Wojciech Kilar

3.      Taxi Driver (1976) Bernard Hermann

4.      No te mueras sin decirme adónde vas (1995) Pedro Aznar

5.      Once upon a time in America (1984) Ennio Morricone

Exit Through the Gift Shop

Si no sabias, Banksy ha sido una cabeza en el mundo del arte urbano. El grafitero, que reside en Inglaterra, hizo historia por primera vez con su mural The Mild Mild West en 1997. El artista luego progreso a hacer piezas mas elaboradas como el PhoneBooth del 2006.

The Mild Mild West

London PhoneBooth

Con el tiempo, Banksy continua haciendo exposiciones. Pero en 2010, Thierry Guetta, un cineasta amateur francés viviendo en Los Angeles logro contactarse con el famoso artista. El resultado de este encuentro entre un entusiasta y una mente tan vanguardista es el documental Exit Through The Gift Shop. 

El documental esta desde el punto de Guetta, quien al igual de Banksy se consigue un seudónimo y se hace llamar Mr.Brainwash. Se centra en dos momentos claves, cuando Guetta se encuentra con Banksy y en lo que Guetta hace luego de encontrarse. 

Vemos como Guetta capitaliza la idea del arte urbano, haciéndola no mas que pintura en papel, sin significado alguno. Nos muestra como la sociedad ha llegado a un punto en el que todo puede ser comprado o vendido. Las apariencias y las etiquetas son todo lo que importa, y el ser parte de uno de los shows que Mr. Brainwahs ponía era la etiqueta apropiada. 

Muchos han criticado a Thierry, pero lo interesante es que, el siempre supo, como lo dice en el documental, que no solo estaba haciendo arte, estaba dando un lujo. Ofrecía la posibilidad de estar "in", le dio a muchos la manera de comprarse su ticket a la exclusividad del arte urbano y contemporáneo. 

Además, no fue acaso Duchamp quien nos expreso que el arte es arte si es que el artista intenta que sea arte? No significa acaso eso que el arte de Guetta es igual de arte que la Fontana de Duchamp?

Si no han visto el documental, aqui esta el trailer.

Joe Fenton: perfección caótica

Joe Fenton es un artista ingles graduado con honores de la Wimbledon Art School que trabaja en su mayoría piezas de arte monocromática. Joe está fuertemente influenciado por el surrealismo y tiene como principales referentes a El Bosco (Hieronymus Bosch) y M.C Escher. La particular y loca manera de crear su arte parece venir de sus ganas de mantener sus miedos a distancia y al mismo tiempo entenderlos. Muy aparte de su prioridad de trabajar en su arte a tiempo completo, Joe tiene publicados dos libros para niños como autor e ilustrador que han ganado diferentes premios.

La particularidad en sus obras se ve reflejada en las miradas de sus personajes que muestran terror e inquietud al mismo tiempo de mostrar un mundo encerrado en marcos donde todo parece estar en caos pero al mismo tiempo, este mundo es representado simétricamente lo que da una sensación de perfección en un mundo caótico. Admiren su obra. 

http://joefentonart.com

http://www.behance.net/joefenton

https://www.facebook.com/joefentonartist